21 de marzo de 2010

AFTER DARK 2010 en FACEBOOK

AFTER DARK 2010 presenta en ABRIL: MONSTRUOS!
Mas info en FACEBOOK AFTER DARK
http://www.facebook.com/pages/AFTER-DARK/360962865842

3 de diciembre de 2009

2 de noviembre de 2009

NOVIEMBRE: CELULOIDE & JAZZ


MARTES 3

Touch of evil

(Orson Welles c/ Charlton Heston, 1958, 112 min. / Música original: Henry Mancini)
¿Cómo transformar lo que hubiera sido una mediocre película de género en uno de los films más fascinantes de la historia del cine? Desde el celebérrimo y virtuosísimo primer plano secuencia, Welles no solo se conforma con realizar un magnífico ejercicio de estilo, sino que se reserva para sí el mejor papel del film: el policía corrupto Hank Quinlan, un personaje tan solo a la altura de su propio ego. Considerado por la crítica como el último gran film del período clásico del cine negro norteamericano, poco importa la inverosimilitud del guión en este universo fronterizo, porque lo esencial se concentra en la atmósfera oscura y enrarecida que lo impregna todo.



MARTES 10

Ascenseur pour l'échafaud

(Louis Malle c/ Jeane Moreau, 1958, 88 min. / Música original: Miles Davis)
Con tan solo 25 años de edad, luego de haber sido asistente de Bresson y de dirigir un documental submarino junto a Jack Cousteau, Louis Malle se inicia con esta joya del cine negro francés como director en solitario. Narrada con sobriedad, discreción y fluidez, el argumento muestra como un detalle fatal del azar puede conspirar contra el crimen perfecto y alterar de manera irremediable el curso de los hechos. Se destacan la increíble presencia de Jeane Moreau, el retrato gris de París de los 50´s, y la música de Miles Davis, quien la grabó en el transcurso de una noche, improvisando cada tema mientras contemplaba las imágenes del film junto a Moreau y Malle.



MARTES 17

Anatomy of a murder

(Otto Preminger c/ James Stewart, 1959, 160 min. / Música original: Duke Ellington)
Uno de los mejores films judiciales del siglo XX que conjuga drama, humor e intriga en sus justas medidas. James Stewart en un papel único, hace alarde de sus cualidades interpretativas, solo comparables a sus mejores films con Hitchcock. La poderosa banda sonora a cargo de Ellington cuenta con un cameo del mismísimo músico en vivo, y el poster y los créditos de apertura del film (diseñados por el legendario Saul Bass) están considerados dentro de los mejores de la historia del cine.


MARTES 24

Shadows

(John Cassavetes, 1959, 87 min. / Música original: Charles Mingus)
Impresionante debut cinematográfico de Cassavetes como director, filmado íntegramente en 16mm. cámara en mano por las calles de Nueva York. La mayor parte de los diálogos fueron resultado de improvisaciones a cargo de sus alumnos de teatro y el equipo de filmación conformado por voluntarios y conocidos. Una película pionera dentro del cine independiente norteamericano que con su estética cruda, sus personajes marginales y el bebop como banda sonora logra cristalizar como pocas la esencia y el espíritu de la generación beatnik de la época.


MARTES 1/12

In cold blood

(Richard Brooks, 1967, 134 min. / Música original: Quincy Jones)
Impecable y rigurosa adaptación de la famosa obra homónima de Truman Capote que inauguró el género de novela periodística de testimonio. Un estudio profundo sobre las pulsiones asesinas en la sociedad moderna que narra el brutal crimen de una familia rural de Kansas cometido por dos ex-convictos. Siguiendo este perfil, Brooks rechazó la pretensión de los estudios por incluir a grandes estrellas en los roles protagónicos (Newman y McQueen) y decidió filmar en todas las locaciones reales posibles, incluyendo la misma casa donde ocurrieron los asesinatos y la penitenciería donde los asesinos fueron posteriormente juzgados.

28 de septiembre de 2009

OCTUBRE / COMPOSITOR: LALO SCHIFRIN

LALO SCHIFRIN

(Buenos Aires, Argentina, 1932)

Pianista, arreglador y compositor argentino de jazz, música sinfónica y popular. Estudia en el Conservatorio de Paris y en 1956 conoce en Buenos Aires al trompetista Dizzy Gillespie, quien lo suma a su quinteto como director musical. Ya radicado en Estados Unidos se traslada a Hollywood y obtiene gran éxito realizando bandas sonoras para la industria del cine y la televisión. Sus composiciones de jazz cargadas de influencias latinas y funk se volvieron un sello inconfundible.


MARTES 6

El Jefe

(Fernando Ayala c/ Alberto de Mendoza, 1958, 90 min.)

El éxito crítico de este film confirmó la posibilidad de poder realizar un cine argentino de denuncia y compromiso, sin renunciar a un lenguaje moderno ni a la comunicación con las masas mediante el retrato de una tipología popular y urbana. Los poderosos diálogos escritos por Ayala y Viñas, aunados a la formidable actuación de Alberto de Mendoza, le confirieron a El Jefe categoría de clásico indiscutible en el ámbito del cine latinoamericano. El film añade a sus múltiples virtudes, la primera partitura compuesta por Schifrin para el mundo del cine.


A falta del trailer de El Jefe, compartimos este video increíble de 1959 en Estados Unidos , donde se puede apreciar el virtuosismo espectacular de Schifrin en vivo junto a la orquesta de Xavier Cugat, con un presentador de TV que nombra al film en cuestión:



A continuación la traducción del presentador, que no tiene desperdicio:
" Nosotros los norteamericanos, habremos quizás otorgado muy poco reconocimiento a los reales logros musicales de los compositores de formas latinas modernas. Formas musicales distinguidas, coloridas, a veces violentas, pero siempre en constante crecimiento evolutivo en base a las tradiciones y la historia de centro y sudamérica.
Un joven compositor que ha logrado captar atención es el brillante pianista de Argentina, Lalo Schifrin, ganador del premio equivalente al Oscar en su país natal, como compositor de la mejor banda sonora de 1958 para la película "El Jefe" (The Boss). Como compositor y arreglador del sr. Cugat, el sr. Schifrin se suma hoy a la orquesta en el piano para presentar un raro tema latino compuesto por un norteamericano, Barkley Allen, que ha ganado éxito internacional: Cumaná "


MARTES 13

Bullitt

(Peter Yates c/ Steve McQueen, 1968, 114 min.)

Rodado en las vertiginosas calles de San Francisco, este film contiene una de las escenas de persecución de automóviles más influyentes de la historia del cine. Schifrin, que arremete en varios momentos claves con sus grooves imbatibles, sugirió sin embargo no agregar música a la famosa secuencia de autos, aludiendo que la banda sonora ya era lo suficientemente poderosa así como estaba. Steve McQueen, por su parte, se incorpora con esta película en el selecto club de los policías duros.




MARTES 20

THX 1138

(George Lucas c/ Robert Duvall, 1971, 86 min.)

Antes de sumir a toda una generación en el imaginario de Star Wars, George Lucas realizó otro largometraje de ciencia ficción. Su opera prima, más cruda y minimalista, se sitúa en una sociedad subterránea gobernada bajo un régimen totalitario y está influenciada íntimamente por films antecesores del género como 1984, Fahrenheit 451 y Alphaville. Androides policías, confesionarios automáticos y el consumo obligatorio de drogas que suprimen el deseo, son algunas de las medidas de control que conforman el universo de este subestimado film de culto.




MARTES 27

Enter the Dragon

(Robert Clouse c/ Bruce Lee, 1973, 98 min.)

La última y más importante película de Bruce Lee se estrenó en Hong Kong una semana después de su misteriosa muerte, a causa de una supuesta intoxicación con medicamentos. El film, con sus luchas coreográficas y escenas que bordean lo bizarro, inauguró el furor por las películas de artes marciales de los años 70s en todo occidente y desató a su vez, el famoso culto hacia la inefable figura de Bruce Lee que persiste hasta hoy en día.




14 de septiembre de 2009

CONCURSO AFTER DARK LEGENDS!

CONCURSO AFTER DARK LEGENDS
Mandá los nombres de los diez músicos/actores que aparecen en la nueva postal del ciclo con tus datos a cicloafterdark@gmail.com. Si acertás, te ganas la entrada libre para vos y una persona más durante todas la funciones de octubre y noviembre!

24 de agosto de 2009

SEPTIEMBRE / COMPOSITOR: BERNARD HERRMANN

BERNARD HERRMANN
(NY, EEUU, 1911 - LA, EEUU, 1975)

Sin lugar a dudas, uno de los mejores compositores de bandas sonoras de todos los tiempos. Comenzó su carrera en los años 30 escribiendo temas para los legendarios radioteatros de Orson Welles, labor que desencadenaría su primer encargo cinematográfico para la opera prima del director, Citizen Kane. Sus composiciones más famosas son las de Psycho y Vertigo, ambos films de Hitchcock, para quién además musicalizó otras ocho películas. Falleció horas después de terminar la grabación de la música de Taxi Driver.


MARTES 1

The Day the Earth Stood Still

(Robert Wise c/ M. Rennie, 1951, 92 min.)

Ha mas de 50 años de su estreno, este film permanece todavía en rankings especializados dentro de las 10 mejores películas de ciencia ficción de todos los tiempos. El enfoque progresista de una llegada extraterrestre con mensaje antimilitar en pos del desarme nuclear, significó un fuerte cuestionamiento a la sociedad norteamericana de la guerra fría. Herrmann utilizó theremins y órganos eléctricos en la orquestación, inaugurando un sonido de suspenso que se volvería característico en films futuristas y de terror. A comienzos del 2009 se estrenó una remake de este famoso film con Keanu Reeves.




MARTES 8

On Dangerous Ground

(Nicholas Ray c/ Ida Lupino, 1952, 82 min.)

Uno de los aspectos más interesantes de este film reside en el drástico cambio de sus locaciones, cuando un policía de la ciudad es enviado a cubrir un caso en un pueblo de montaña. La trama pasa de arrestos e interrogatorios en escenarios sombríos y urbanos, a persecuciones interminables en paisajes nevados y deslumbrantes. Una historia que combina recursos del género negro y el melodrama, donde sobresalen la actuación de Ida Lupino -que logra un registro excepcional en su rol de no vidente- y la notable música de Herrmann -quien tuvo control total de la banda sonora.


MARTES 15

The Wrong Man

(Alfred Hitchcock c/ Henry Fonda, 1956, 105 min.)

El argumento de un hombre inocente acusado de un crimen que no cometió es un tema frecuente en la obra de Hitchcock, pero este film difiere del resto por su especial tratamiento, alejándose radicalmente de los thrillers típicos del director. Basado en una historia real –algo novedoso para la época- y narrado en un tono realista y semi-documental, aquí se intenta mostrar a la sociedad entera lo fácil que se pueden producir grietas en el sistema judicial. Hitchcock enfatiza este discurso con un prólogo directo a cámara que en esta ocasión reemplaza a su clásico cameo dentro de sus films.




MARTES 22

Cape Fear

(J. Lee Thompson c/ Peck-Mitchum, 1962, 105 min.)

Contundente thriller psicológico que aguanta imperturbable el paso del tiempo. Mitchum -quien estaba en libertad condicional por consumo de marihuana durante el rodaje - encarna como pocos a un psicópata plagado de amenazas perversas y ansias obsesivas de venganza. Un abogado forzado a recurrir a métodos corruptos y un criminal que se aprovecha de las ambigüedades de la ley, conforman la paradoja más interesante del film. El pasaje de un entorno civilizado hacia una dimensión salvaje se consuma en los escenarios isleños de la escena final. En la famosa remake de 1991, Scorsese reutilizó la misma banda sonora del film original.




MARTES 29

Taxi Driver

(Martin Scorsese c/ Robert de Niro, 1976, 113 min.)

Clásico indiscutido que ganó la Palma de Oro en Cannes y perdió el Oscar a mejor película contra Rocky. Fue la primera colaboración entre Scorsese y Paul Schrader, quien elaboró el guión inspirado en el film Pickpocket (1959) de Bresson. También significó la consagración de Robert De Niro y el descubrimiento de una precoz Jodie Foster de tan solo 12 años. La violencia en la cultura occidental, el machismo y los hombres que buscan la redención -temáticas constantes en Scorsese- se conjugan con fotografía expresionista y partituras musicales que remiten a las atmósferas depresivas del cine negro. Nueva York retratada como un antro de perdición, engendra a uno de los más dramáticos psicópatas americanos. Ar`you talkin' to me?


27 de julio de 2009

AGOSTO / COMPOSITOR: ENNIO MORRICONE

ENNIO MORRICONE

(Roma, Italia, 1928)

Estudió en el Conservatorio Santa Cecilia de Roma, donde se especializó como trompetista. Sus composiciones para los films de Sergio Leone transformaron la manera de musicalizar los westerns. Sus marcas melódicas incluyen voces femeninas, guitarras eléctricas, harpas y armónicas mezcladas con exuberantes orquestaciones. Más de 400 trabajos para géneros de todo tipo lo posicionan como uno de los compositores fílmicos más versátiles del mundo. En 2007 recibió un Oscar honorario por sus magníficas y multifacéticas contribuciones al arte de la música cinematográfica.


MARTES 4

Fistful of Dollars

(Sergio Leone c/ Clint Eastwood, 1964, 99 min.)

Considerado el referente de los spaghetti westerns, este film conforma la primer entrega de la trilogía del dólar, que cambió por completo las reglas de un género genuinamente americano. Es una remake de Yojimbo (1961), el famoso film de Kurosawa, quien denunció a los productores y ganó los derechos de distribución del mismo. Morricone, que figura en los títulos bajo el seudónimo de Dan Savio, va más allá del mero acompañamiento y evoca motivaciones de una forma nunca antes vista. Clint Eastwood aceptó su papel con la condición de poder improvisar algunos diálogos. La ironía lacónica de este personaje no lo abandonaría nunca.





MARTES 11

Uccellacci e Uccellini

(Pier Paolo Pasolini c/ Totó, 1966, 89 min.)

Alegórico y provocativo film que incluye entre sus protagonistas al legendario clown italiano Totó junto a un cuervo que habla, y que utiliza con inteligencia la parábola y el humor para reflexionar acerca de la política, la religión y la muerte. La gran secuencia del funeral de Palmiro Togliatti (el padre de la izquierda italiana) ocurrido ese mismo año, es considerada como el fin del neorrealismo italiano. Se destacan los originales títulos de apertura cantados a cargo de Morricone y los increíbles planos fijos de las locaciones. Pasolini declaró este film como su favorito, por ser el único que cumplió sus expectativas.




MARTES 18

L'ucello dalle Piume di Cristallo

(Dario Argento c/ Tony Musante, 1970, 98 min.)

El cine giallo (amarillo en italiano) es un subgénero derivado del thriller y del cine de terror. El término se origina por el color de las cubiertas de novelas italianas de los años 20 sobre misteriosos asesinatos, en las que se inspiran estos films. El director de culto Dario Argento hizo resurgir este género en los 70s con su atrapante opera prima que incluye todos los requisitos fundamentales: un título enigmático, un psicópata con guantes de cuero, una banda sonora inquietante y bellas mujeres en peligro. En pocas palabras, un giallo clásico.




MARTES 25

Una Pura Formalitá

(Giuseppe Tornatore c/ Depardieu-Polanski, 1994, 108 min.)

¿Qué se podría esperar del director de films tremendamente cursis como Cinema Paradiso? Por un momento Tornatore se aleja de las sensiblerías para realizar un thriller asfixiante, con una puesta en escena teatral que se desarrolla en un solo escenario. Una comisaría en el medio de la campiña francesa, donde se lleva a cabo un interrogatorio durante una noche de tormenta. Se destacan Gerard Depardieu y Roman Polanski en un auténtico duelo interpretativo, el montaje furioso de los flashbacks y sobretodo, el increíble giro final.


29 de junio de 2009

JULIO / COMPOSITORES: DELERUE vs. MISRAKI

GEORGE DELERUE

(Roubaix, Francia, 1925 - Los Angeles, USA, 1992)

Estudió en el conservatorio de música de París y fue discípulo del prestigioso compositor de música para cine Darius Milhaud, que le infundó un profundo sentido del clasicismo. Compone piezas para conciertos y ballets hasta que entra en contacto con la nouvelle vague y se convierte en uno de sus compositores predilectos. Trabajó junto a Truffaut en más de 10 films y alternó su carrera entre Europa, Hollywood y la televisión. Su obra se caracteriza por una profunda inclinación melancólica.


MARTES 7

HIROSHIMA MON AMOUR

(Alain Resnais c/ Emmanuelle Riva, 1959, 90 min.)

Lo que en un principio fuera un documental antibélico por encargo sobre la bomba atómica (a raíz de Noche y Niebla -el aclamado trabajo de Resnais sobre el holocausto-), se transformó en uno de los primeros y mas vanguardistas films de la nouvelle vague. Un profundo drama poético-experimental sobre la memoria con guión de Marguerite Duras. La coproducción franco-japonesa estipuló que el film debía ser rodado en ambos países y que los dos protagonistas fueran de ambas nacionalidades.




MARTES 14

TIREZ SUR LE PIANISTE

(François Truffaut c/ Charles Aznavour, 1960, 90 min.)

Como dijo el propio Truffaut, esta es una película sin tema, o al menos sin un tema principal. Un tributo al género negro americano en un tono arriesgado e imaginativo con las marcas registradas de la nouvelle vague. Los acompañamientos de Delerue se combinan con fragmentos de música popular y las desventuras de un pianista son la excusa para reflexiones libres acerca del éxito, el fracaso, el amor y las mujeres, con apropiadas cuotas de humor y nihilismo.





PAUL MISRAKI

(Estambul, Turquía, 1908 - Paris, Francia, 1998)

Pianista de jazz, arreglador y compositor de música popular. Realiza sus primeros encargos para cine en Europa hasta la segunda guerra mundial. Se exilia de Francia y pasa una breve estancia en Argentina, donde realiza una serie de trabajos en la industria cinematográfica local (entre ellos, películas de Libertad Lamarque y Niní Marshall). Continúa su carrera en Hollywood, sin embargo, finalizada la guerra, retoma su profesión en su Francia natal. A lo largo de 60 años de carrera, Misraki escribe música para directores de la talla de Renoir, Chabrol, Melville, Godard, Clouzot, Welles y Buñuel.


MARTES 21

LE DOULOS

(Jean Pierre Melville c/ Jean Paul Belmondo, 1962, 108 min.)

Una historia de gangsters en locaciones parisinas que pone a prueba las nociones de la confianza, la traición y los códigos de honor. Melville posee una mirada fascinada por los objetos y vestuarios del estilizado mundo del crimen y no escatima en violencia visual cuando la trama así lo exige. Las cadencias jazzeras de Misraki donde predominan los colchones de vibráfonos aportan el toque de estilo esencial a la impecable puesta en escena.




MARTES 28

ALPHAVILLE

(Jean Luc Godard c/ Anna Karina, 1965, 99min.)

Combinando ciencia ficción distópica con cine negro, Alphaville muestra una dictadura tecnocrática con similitudes a novelas como 1984, Un mundo feliz y Fahrenheit 451. Sin efectos especiales ni escenografías alusivas, son las locaciones reales de París, sus calles nocturnas y edificios de cristal, los que representan a la ciudad futurista. Un Godard fresco y distintivo que explora nuevas dimensiones fílmicas con sus revolucionarias técnicas cinematográficas y un discurso que esboza paralelismos entre una sociedad en crisis y el estado de Francia contemporánea.